Hace unos quince días se presentó en el X-Teresa Arte Actual una sesión de improvisación de audio y video con presentaciones bastante singulares: Mia Makela, Manrico Montero, Antonio Domínguez y Rebekah Wilson. Me resulta difícil ser objetiva con el live cinema, con la improvisación sonora y todavía más cuando conozco a quienes se presentan. Analizo los procesos, los tiempos de ejecución, la narrativa, la comunicación con el público y el desenvolvimiento del ejecutante. No hago concesiones pero sí me reservo comentarios específicos en charlas post evento. Esta vez creo que bastante de lo que ví y escuché estuvo a la altura y con especial énfasis en el acto de Montero/Domínguez (IN/OUT). Más un poco del material en video de una pieza de Solu nombrada IX (NINE) de la cual presentó un fragmento.
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DIYear
Esta es una sinopsis y notas sobre mi ponencia en Campus Party. Gracias al tiempo que se puede dedicar para escribir un post correctamente, puedo corregir y/o aumentar algunas de las aberraciones que dije en dicha charla. Gracias a Noiselab por la invitación.
“Do it yourself (or DIY) is a term used to describe building, modifying, or repairing of something without the aid of experts or professionals. The phrase “do it yourself” came into common usage in the 1950s in reference to home improvement projects which people might choose to complete independently.
In recent years, the term DIY has taken on a broader meaning that covers a wide range of skill sets. DIY is associated with the international alternative rock, punk rock, and indie rock music scenes; indymedia networks, pirate radio stations, and the zine community. In this context, DIY is related to the Arts and Crafts movement, in that it offers an alternative to modern consumer culture’s emphasis on relying on others to satisfy needs. ”
Una definición escueta de circuit bending:
Corto circuito de bajo voltaje
Video referencias y entrevistas a autores.
Algunas de las primeras tareas para realizar circuit bending:
-Descubrir lo que hay dentro de un juguete o aparato que utilice baterías de bajo voltaje e intervenirlo tocando dos puntos de soldadura del circuito con los dedos o con algún material conductivo.
-Customizar su uso, modificación del sonido y amplificación a través de soldar cable para posteriormente adecuar botones, potenciómetros, resistencias, entre otros.
Algunas referencias de artistas sonoros relacionados con el tema:
Tristan Perich
Algunos objetos frecuentemente intervenidos:
Menciones de artistas, productores, creadores o proyectos con pertinencia al uso distinto de objetos, instrumentos o sistemas tonales para generar sonído y melodía.
1. 1 bit symphony de Tristan Perich
2. Fine collection of sounds de Georg Reil y Kathy Scheuring
4. Digital sound visual interactive poetry
5. Boyd Rice (“rotoguitar” una guitarra eléctrica intervenida con un ventilador sobre las cuerdas)
6. Christian Marclay (Guitar Drag)
7. Harry Partch (compositor de música microtonal, serie de documentales de la BBC)
9. Nicolas Collins, hardware hacking, electricidad, handmade electronic music
10. N.U. Unruh percusión experimental de Einstürzende Neubauten
11. Low Activity Computer Solo de Philip Julian
Y para terminar un video extra que no exhibí en la charla…
Radicante
Me viene a la cabeza la parte final del seminario de MediaLab del Centro Multimedia de ayer. Analizamos la lectura de un texto propuesto previamente -dinámica de tradición- y en esta ocasión me tocó a mí sugerir, exponer y orientar la charla. Quedaron algunas preguntas en el aire respecto a esta necesidad de ponderar el valor de las piezas artísticas, su idealización, exhibición, permanencia, trascendencia y conservación. ¿Cuál es la inquietud actual respecto a las nuevas manifestaciones que se erigen desde las “periferias” de los sistemas de galerías, museos e instituciones? ¿existe algún afán de registro en esta idea de posesión material y valor monetario? El aquí y el ahora ubicados mucho más allá de la práctica artística o creativa, también llevados a la experiencia estética. Algunos de los conceptos más atractivos que Nicolas Bourriaud menciona en el texto (segunda parte: estética radicante), listados en orden indistinto:
-modernidad líquida
-estética del despojo
-precariedad
-universo radicante
-time specific/site specific
Además expuse 3 proyectos relacionados con:
1. Mutación, dependencia, exhibición y procesos de conservación
Fedex Large Boxes, Priority Overnight. Walead Beshty
2. Saqueos, caos urbano, posibilidades de mutación en espacios abiertos, arquitectura abierta, dominio público.
Forays, Geraldine Juárez y Adam Bobette
3. Medios locativos, GPS, mapeo y dibujo a gran escala, registro y documentación (pieza repetida del post anterior).
En un opinión personal tengo una alta apreciación de los proyectos que desde inicio se plantean el desecho, la apropiación, lo efímero y la disolución, no cómo un condicionamiento sino cómo un integrante inevitable en el discurso. Al igual que el paradigma del manejo de la documentación o registro de una pieza irrepetible. Al final es un resultado directo e indirecto de la manera en que se vive hoy en día.
Postópolis MX
“…una sesión pública de cinco días de continua conversación curada por los bloggers más prominentes a nivel mundial, en materia de arquitectura, arte, urbanismo, música y diseño. Diez de los bloggers más influyentes de Los Angeles, Nueva York, Turín, Barcelona, Londres, y el resto del mundo coincidirán en la ciudad de México para ser anfitriones de una serie de discusiones, entrevistas, presentaciones, películas y paneles y fusionar así el acercamiento informal e interdisciplinario que provee Internet con la interacción cara a cara de estos personajes.”
Desde hoy comienza esta serie de charlas, el cartel incluye diversos invitados del entorno de las artes, la música, la tecnología y el diseño. Aquí menciono algunos que llaman mi atención y de los cuales ya conozco y recomiendo algo:
Carlos Alvarez Montero, Pablo I. Kobayashi, Perros Negros, Antonio Vega Macotela, Carlos Prieto Acevedo & Ximena Labra, Magnus Ericksson & Geraldine Juárez, Gilberto Esparza, Héctor Galván, Tóxico Cultura (Gabriella Gomez-Mont), We Make Money Not Art (Regine Debatty), Wayne & Wax (Wayne Marshall) y Strangeharvest (Sam Jacob).
The eye writer
The Eye Writer Es un proyecto realizado por miembros de los grupos Free Art and Technology (FAT), open frame works, the Graffiti Research Lab, y The Ebeling Group. Con las contribuciones de Zachary Lieberman, James Powderly, Evan Roth, Chris Sugrue, Tony Quan, Theo Watson.
Capitalismo Amarillo
Es un proyecto/blog realizado por Jota Izquierdo, artista español que vivió algunos meses en la ciudad de México para llevar a cabo una investigación sobre algunos fenómenos de la cultura popular mexicana. En concreto el proceso de gentrificación y el análisis de los no-lugares globales. Un ejemplo más sencillo: los puestos de piratería de la avenida Eje Central expulsados por el gobierno y la gran cantidad de gente que se está mudando a vivir en el centro histórico porque Carlos Slim se ha estado encargando de “remodelarlo”. La invasión y la evasión de ida y de regreso.
Conocí a J hace algún tiempo y cuando lo visité para que me enseñara el blog, recuerdo que me mostró un “screenshot” de él mismo, de espaldas, entrando a su casa en Valencia, la imagen era un still del Street View de Google Maps, de alguna manera se dió cuenta de que el carrito de Google pasó justo frente a su casa en aquel preciso momento, logró consultarlo y verse a sí mismo en la Internet, capturado por una cámara en el espacio público cuando estaba a punto de convertirse en espacio privado, a través del reconocimiento de su cara y de su espacio vital. Nos reimos sobre el hecho y comentamos sobre las implicaciones, además de cómo la pieza detonaba muchísimas reflexiones respecto a la idea de vigilancia…
Mi post favorito de Capitalismo Amarillo es Véndemela!! el primer concurso de vendedores ambulantes de la Ciudad de México, hay una gran singularidad en la forma lingüística de los textos, memorizados y cantados por los ambulantes del metro que se esmeran enormemente en convencer a sus consumidores para vender sus productos.
TRINCHERA ENSAMBLE [E x p a n d e d Cinema]
Trinchera es un ensamble de artistas visuales que trabajan con arte cinemático.
Proyectores de diapositivas, proyecciones de 16 mm, video feedback y sonido en vivo.
Se presentarán este sábado 16 de enero de 2010, en el Laboratorio de Arte Alameda.
Line up:
Rafael Balboa (16mm loops / film performance)
Manuel Trujillo (16mm loops / film performance)
Aisel Wicab (35mm dual-slide carrousel)
Elena Pardo (16mm loops / animation)
Cristiana Miranda (16mm loops)
Manolo Garibay (35mm dual-slide carrousel)
Sebastián Solórzano (overhead projector)
Omar Espinosa (overhead projector)
Jania Alarcón (overhead projector)
Bruno Varela (video-feedback)
Yurián Zerón (16mm droid)
Juan Pablo Villegas (live electronics)
Salvador López (live electronics)
Manuel Gutiérrez (live electronics)
Bruno Bresani (noise)
Special Guest:
Christopher May (The International Experimental Cinema Expo)
Supporting Crew:
(On-Stage)
Catalina Holguín (16mm projector)
Enrique Arroyo (16mm projector)
Laura Espinoza (16mm projector)
Margarita Posada (overhead projector)
(Off-Stage)
Francisco Gómez (video)
Marion Huerta (photography)
Angelhic García (photography)
curador: Jesse Lerner
International ensemble of artists based in Mexico City
Analog also experimental cinematic performance, 16mm loops, 35mm dual-slide carrousels, overhead projectors, live electronics, noise.
Live at Laboratorio de Arte Alameda, January 16th, 2010. Mexico City.
Dorkbot Mexico cierre 2009 plantón sonoro
El plantón sonoro se llevara a cabo el día Sábado 19 de diciembre a partir de las 4 de la tarde en el parque Ramón López Velarde.
Más información aquí
Dorkbot cd de México se creó a mediados del 2006 y desde entonces promueve encuentros para mostrar proyectos vinculados a prácticas como el net art, arte sonoro, instalaciones basadas en dispositivos electrónicos, arte en espacios públicos con estrategias tecnológicas, circuit bending, screen based art, hardware hacking, etc.
Cada fin de año dorkbot ha realizado encuentros en donde, de manera colaborativa, intentamos mostrar el trabajo de algunas de las personas que se encuentran produciendo o investigando en las aéreas de arte, ciencia, tecnología y medios.
Para esta ocasión planeamos realizar un plantón sonoro en el cual podrán presentar su trabajo todas aquellas personas que se encuentren produciendo algún tipo de proyecto o instrumento sonoro vinculado con las prácticas del dorkbot.
Nadia Lartigue Zaslavsky
El cuerpo se parte a voluntad, solo piernas, solo sombras. Gigantes polígonos blancos.
Sólo una rodilla y un codo se asoman en la deslumbrante plasta blanca. El recostado perfil de un vientre que respira, encuadrando sólo el pecho y la cadera a modo de paisaje y al rededor una gran oscuridad.
Tres mujeres esbeltas vestidas con pocas y holgadas ropas. Un chico gris al otro extremo. Tramoyistas que en silencio reencuadran la luz sobre los cuerpos femeninos, y a veces ellos mismos se bañan en el límite del rectángulo de proporciones 4:3 mostrando figuras y composiciones fragmentadas de sus siluetas y más allá del borde lineal un negro profundo.
La idea de crear un proyecto de danza cuya exploración principal sea la fotografía puede sonar descabellado; sin embargo, siempre creí fielmente en sus posibilidades porque resultan ser afínes a mis ideas y preguntas sobre el soporte, el tiempo, la materialidad, por lo que en esto reconsidero el sentido holográfico que Eduardo Kac le daba a las palabras escritas: “llevar la poesía a la dimensión viva”.
Nadia Lartigue fue becaria de Jóvenes Creadores 2008-2009 con el proyecto Punto bajo la tutoría de Raúl Parrao en la disciplina de danza, quien es, en mi apreciación, uno de los pioneros en México en llevar el arte de la escena a los confines arriesgados de los media.
El tema: el borde, el límite del espacio lumínico que verticaliza escenarios vacíos.
Expone lo estático y lo plano, el encuadre, el marco, el adentro y el afuera, llevado al espacio corporal a partir de aparatos tecnológicos rústicos, elementos lumínicos básicos y escenográficos mínimos.
Recrea el sentido del flash al detonar la luz y el sonido analógico de un proyector de diapositivas (sin diapositivas) sobre cuerpos en movimiento que se detienen. Siete proyectores, dotados de ruedas, parecen animales que observan mientras respiran con un ventilador, como personajes expectantes que observan al lanzar su propia luz y de manera tajante recortan cuerpos y encapsulan instantes.
Este trabajo de naturaleza móvil logra evidenciar a través de la interrupción del movimiento la reticencia única de la imagen fija. Maneja valores antitéticos que permiten establecer un diálogo dinámico entre lo efímero y lo perpetuo que es muy difícil conseguir. Desde mi punto de vista es un reto relevante traslapar estos conceptos duales, temporales y materiales, en un soporte frágil como lo es una coreografía de cuerpo y luz. Una propuesta mexicana y visionaria que ha requerido especial observación y sensibilidad en las formas en que el los aparatos técnicos modifican la corporalidad desde el punto de vista estético, rítmico y temporal, lo que considero interesante línea de investigación en las artes escénicas contemporáneas. Este experimento lo considero uno de los más relevantes de la generación, es arriesgado defender una apuesta intuitiva que pretende crear sinergias entre dicotomías polarizadas.
Punto
“Creación escénica que conjuga danza contemporánea y fotografía confrontando así una naturaleza móvil y a la vez efímera con el arte de lo instantáneo que perdura. El instante y el encuadre de la foto se convierten en ritmo y espacialidad, el objeto transformado en movimiento aborda nuestra impulsiva necesidad de poseer.”
Nadia Lartigue Zaslavsky
